Text: Tom Seymour
1975 kämpfte Nick Knight für die medizinische Fakultät und schien dazu bestimmt zu sein, sein Leben damit zu verbringen, Patienten zu behandeln. Dann, an einem Samstagnachmittag, entdeckte der diesjährige Master of Photography auf der Kunstmesse Photo London die Fotografie. Sie gab seinem Leben eine radikal andere Wendung.
Knights erster Bildband Skinhead erschien 1982. Kurz darauf erhielt der Brite einen Auftrag von Redakteur Terry Jones des Kultmagazins „iD“ und nun folgte die Karriere eines der heute bekanntesten Londoner Mode- und Porträtfotografen seinen Verlauf. Seitdem hat Nick Knight mit Modedesignern des Kalibers von Alexander McQueen, Yohji Yamamoto, John Galliano und Christian Lacroix zusammengearbeitet und Musikvideos für Björk, Lady Gaga und Kanye West produziert. Knights persönliche Arbeit wuchs neben dieser professionellen Arbeit. Seine Mode- und Porträtfotografie, die ihn berühmt gemacht hat, wurde nun auf der Photo London neben monumentalen Stillleben, Landschaften und Akten gezeigt. Im Mittelpunkt der Ausstellung standen neue „digitale“ Skulpturen aus Alabaster und eine während des Corona-Lockdowns entstandene Filminstallation. Knight ist heute Honorarprofessor an der Academy of Fine Arts in London. Im Interview erzählt er, was er seinen Studierenden vermitteln möchte und wie er sich im fünften Jahrzehnt seines Schaffens mit unterschiedlichen künstlerischen Ausdrucksformen auseinandergesetzt hat – alle mit Wurzeln in der Fotografie.
FotoMAGAZIN: Sie haben die Fotografie an einem Samstagnachmittag 1975 während Ihres Medizinstudiums entdeckt. Warum ist die Kamera schließlich Ihr bevorzugtes Medium geworden?
Nik Ritter: Die Fotografie ist für mich das Tor zu so vielen unterschiedlichen Kunstformen. Es bietet eine Plattform. Heute hat jeder eine Kamera. Grundsätzlich können wir uns alle ein ziemlich gutes Bild machen. Wenn Sie dagegen einen Marmorblock, einen Hammer und einen Meißel haben, ist es komplizierter, etwas daraus zu machen. Fotografie war etwas, was ich als Student gelernt habe. Dieser Samstagnachmittag veränderte mein ganzes Leben. Von diesem Moment an war ich besessen. Liebend. Völlig verliebt. Meine Kamera ist mein Pass für alles im Leben geworden.
Kunst gibt den Menschen das Gefühl, dass sie etwas über ihr Leben erzählen können.
-Nick Knight-
FotoMAGAZIN: Heute unterrichtest du Fotografie nicht nur, du praktizierst sie auch. Was ist die wichtigste Lektion, die Sie Ihren Schülern mitgeben möchten?
Nik Ritter: Ich sage allen: Lebe dein Leben durch deine Linse. Das ist ein einprägsamer Spruch, der meine Arbeitsweise mit Fotografie widerspiegelt. Ich hatte das unglaubliche Glück, eine Zeit großer Veränderungen in der Bildkomposition erlebt zu haben. Mit einer Ausstellung wie der bei Photo London wollte ich zeigen, dass sich die Fotografie so verändert, wie sie sich ausdehnt. Es nimmt neue Medien wie künstliche Intelligenz, Metaverse und NFTs auf. All diese Dinge sind absolut gute und gültige Möglichkeiten, sich auszudrücken. Ich habe vor 45 Jahren mit einer alten analogen Kamera angefangen und heute erstelle ich digitale Statuen, mache Filme und arbeite an Performances. Die Fotografie öffnete sich wirklich für alles andere. Ich würde mich freuen, wenn die Leute eines meiner Exponate sehen und sich freuen, sich auszudrücken. Mehr kann man sich nicht wünschen. Das Medium sollte nicht so wichtig sein. Kunst ermöglicht es, Menschen das Gefühl zu geben, etwas über ihr Leben erzählen zu können.
FotoMAGAZIN: Sie sind bekannt für Ihre Zusammenarbeit mit Modedesignern wie Alexander McQueen. Ein großer Teil der bei Photo London gezeigten Arbeiten sind jedoch ganz persönliche Projekte. Wie trennen Sie die berufliche von Ihrer persönlichen Praxis?
Nik Ritter: Ich kann es nicht tun. Ich denke, Studenten machen sich oft Sorgen über die Trennung zwischen Beruflichem und Privatem. Es gibt keinen Unterschied. Jede Arbeit ist persönlich, ob Sie dafür bezahlt werden oder nicht. Jedes Mal, wenn Sie eine Kamera in die Hand nehmen, muss es für Sie unglaublich wichtig sein. Es sollte nie einen Unterschied zwischen dem Privaten und dem Beruflichen geben. Niemand kann ein großartiges Bild erstellen, wenn er nicht sein Herz und seine Seele hineinsteckt. Ich unterscheide nicht zwischen dem Fotografieren von Kanye West oder einer Rose auf dem Küchentisch. Ich habe in jedes dieser Bilder die gleiche Anstrengung, Hingabe, Kraft und Dynamik gesteckt. Das ist wichtig.
FotoMAGAZIN: Auf der Photo London haben Sie eine Skulptur präsentiert, die auf der Silhouette einer Frau basiert und aus einem Foto und einem 3D-Scanner erstellt wurde. Da?
Nik Ritter: Ich habe hier mit Michaela Stark gearbeitet, die ich für eine unglaublich interessante Künstlerin halte. Sie benutzt ihren Körper, um das Bild zu untergraben, das wir immer noch von Frauenkörpern haben. Vollere oder kurvigere Menschen werden in der Mode nicht gezeigt. Ich fand das in der Modewelt immer wichtig, weil so viele von uns so gebaut sind. Oder wir lieben andere vollständigere Menschen, die einfach schön sind. Schauen Sie sich ein Gemälde von Peter Paul Rubens an: Dort werden diese Körperkurven zelebriert. Ich finde es schade, dass wir in der Fotografie nicht mehr unterschiedliche Körpertypen zelebriert haben. Deshalb wollte ich eine Skulptur schaffen. Skulpturen erzählen uns von etwas Dauerhaftem. Mode hingegen ist eine Sprache des Übergangs. Ich wollte hier keinen flüchtigen, eleganten Look erzeugen. Ich meinte nicht, sich dieses neuere Ding anzusehen. Stattdessen wollte ich eine Erklärung abgeben. Etwas, das für immer da zu sein scheint – und damit zu sagen: Eigentlich sind alle Menschen schön.
FotoMAGAZIN: Du hast kürzlich ein Projekt auf TikTok gestartet. Was genau steckt dahinter?
Nik Ritter: Ich habe angefangen, Smalltalks auf TikTok zu halten, denen manche vielleicht etwas skeptisch gegenüberstehen. Aber für mich ist es sehr wichtig, das jüngere Publikum anzusprechen. Also erzähle ich die Geschichte der Fotografie auf TikTok. Es sind 3-Minuten-Clips, in denen ich über Fotografie und bestimmte Themen spreche. In einer Woche geht es zum Beispiel um die Geschichte großer Zeitschriften wie Life und in der nächsten um die Bedeutung von Bescheidenheit in der Fotografie.
FotoMAGAZIN: Hast du einen konkreten Tipp für uns: Wie wird man ein besserer Fotograf?
Nik Ritter: Ich könnte Ihnen ein paar Dinge darüber erzählen, aber ich weiß ehrlich gesagt nicht wie. In gewisser Weise versteht niemand wirklich, wie man das macht. Es ist sehr schwer zu erklären. Wenn ich ein Marathonläufer oder ein Schauspieler wäre, müsste ich mich anders ernähren oder Wege finden, mich mehr mit meiner Figur auseinanderzusetzen. Aber welchen Rat könnte ein Fotograf haben? Schau genauer hin? Letztendlich geht es zumindest für mich um Wahrnehmung. Es geht nicht darum, was wir sehen, sondern was wir fühlen. Es geht um Emotionen. Du fragst dich, wie du mehr mit deiner Intuition arbeiten kannst. Die meisten Fotos beschäftigen sich bis zu einem gewissen Grad mit der Zukunft. Es geht nicht wirklich um die Dinge, die wir in diesem Moment sehen. Henri Cartier-Bresson wird die Idee des „entscheidenden Moments“ zugeschrieben. Ich bin damit nicht einverstanden. Es gibt wirklich nicht diesen entscheidenden Moment. Bei der Fotografie geht es um die Freude, die entsteht, wenn man sich vorstellt, dass etwas passieren wird. Bruchteile von Sekunden können wir nicht sehen. Oft geht es darum, etwas wirklich zu wollen, Energie in etwas zu stecken, um es zu verwirklichen. Fotografie ist keine Wissenschaft. Damit schaffen wir Erinnerungen.
Das Gespräch wurde von Tom Seymour während der Fotokunstmesse Photo London im Mai 2022 aufgezeichnet.